しいてゆう

柿＋絵の具＝　　：沢登英希「いつのまに」

rock_hopper1985 — 2009-07-02T01:29:23+09:00

こんばんわ。

蒸し暑い日が続きますね。

今日はコレクションさせてもらってる作品を一点紹介。

以前記事にも描いたGEISAIで出会った作品なのですが

この作品もまた、僕の足を止めてくれました。

沢登英希「いつのまに」

写実的に描かれた柿。

そこに絡む青い絵の具の塊。

ああ、ダメなんですよ。弱いんですよ。

異なる物が絡みあっていると

僕はドキドキしてしまうんですよ。

写実的な柿。

写実という方向性が

今自分が捉えているモノを物理法則に乗っ取って

画面に再現する事だとするならば

つまるところ、フォトリアルのひとつの到達点は

「絵である事を忘れさせること」にあるはずです。

だから写実技法には正解があります。

そのモノが実際に存在している以上

そこに近づくよう、考え、捉え、構築していく必要があるんです。

だけど、沢登さんの作品の画面には

その写実に「絵の具」が絡む。

これは構築どころか

絵の具の重さと宇宙船地球号の重力に任せるという

非常に偶発性の高い技法です。

柿をスパッと切ってるから

この「絵の具」の性質は絵の具とは言えないのかも知れませんが

画面を観るとやはりこの塗料の塊が

自らが絵画である事を主張してきます。

こんなものが写実的な柿と画面を共にされちゃうと

これはもう一種の自己矛盾が生まれます。

パイプの下に、これはパイプでは無いと描いてあるようなもんです。

この異なる出会いが

作品の絵画としての自己言及性を高め

絵画特有のユーモアを生んでいて、とても好きなんです。

色々と作品を観る機会が多いですが

伝えたい事とかを重要視し過ぎて

自分が何をつくってるのか忘れてる様な作品もたまにあります。

それ、なんで絵画である必要があるの？

絵画には絵画にしかできない事があるし

絵画にしかない楽しみがあります。

そんなものをこの作品からは感じます。

ふとしたモチーフの選択と構図。

そして異なる技法の出会いから生まれる

この…わけのわからなさ。

この揺らぐ感覚。

辞書に無い何か。

これですよ、これ。

自分にはまったく想像至らない領域。

だからこそ、観たいと思うんです。

作家の沢登さんはまだ学生だそうです。

過去の作品ファイルも見せていただきましたが

もうホントに色々なタッチの作品がギッシリでした。

同じ人？ってなくらいに。

でも、そういう模索は、本当に大事な事だと思うんです。

作家性にしがみつかず、自分を固定化せず

どんどん新しい世界を見つけていって欲しいです。

と、老婆心的なコメントになってしまいましたが

とにかく気になる作家さんなんです。

沢登英希さん。

是非、お見知り置きを。

この次が観たいのだ：上野の森美術館「ネオテニージャパン」

rock_hopper1985 — 2009-06-15T22:33:40+09:00

さて、先日上野の森美術館で開催されている

「ネオテニージャパン」を観てきました。

高橋龍太郎なる精神科医が集めた現代美術のコレクション。

その展示。

奈良美智

村上隆

天明屋尚

会田誠

とにかく、そうそうたるメンツ。

新しい発見は無かったけれど

この人達が日本の現代アートのトップランナーだと

改めて認識しました。

日本はよく「評価を逆輸入する国」だと言われます。

北野武もそう

黒沢明もそう

外国で評価され

日本でも騒がれる。

だから

日本の重要な文化財は

結構国外に流れてしまったりしています。

現代アートもしかりです。

「村上隆の価値がわからないんだよね」

「じゃあ実際観に行ってみるといいさ。話はそれからだ。」

「どこに…??」

「ッぐ…」

口ごもる俺。

悔しくてたまらないんですよ。

だけど、日本には高橋コレクションがある。

国内に素晴らしいアートがある。

それを留めてくれる人がいる。

それを垣間見る事ができて

少し安心しました。

あのコレクションがもし

外に流れ出てしまったかと思うと

本当に悲しい。

いやいや、高橋さんがいて良かった。

冒頭でも触れましたが

出展されていた作家たちは、彼らは、

もうスでにエスタブリッシュな作家。

時代を進めてくれた作家。

「ん、やはり好きだ」

「んん、これこれ」

良いものは良い。好きなものは好きだ。

いつ観ても、何度みても。

だけど、それはもう、知っているんだ。

彼らの作品を観ながら、想いにふける。

「僕ら世代が、次の価値を産み出さなくては。」

…もはや美術史に進歩史観は通じねぇか？

そういう事じゃあない。

この次が、この次が観たいんだ！

だって、そうじゃないですが。

いつまでも奈良さんと村上さんに

おんぶにだっこってわけには…

いかないじゃないですか？

何の決意だかよくわかりませんが

「やらねば！」と思いました。

うん。確かに。

やらねば！

★

三ヶ月もブログ放置、すいませんでした。

また書いてくよ、前よりも少し気楽に。

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿

「ネオテニー・ジャパン -高橋コレクション」展
会場: 上野の森美術館
スケジュール: 2009年05月20日～ 2009年07月15日
開催時間 10:00-18:00 (金曜日は20:00迄)
住所: 〒110-0007 東京都台東区上野公園1－2
電話: 03-3833-4191

エヴァか！ガンダムか！いや、ジャイアントとらやんだ！

rock_hopper1985 — 2009-03-31T00:02:33+09:00

３月２８日ー２９日にかけて

六本木アートナイトなるイベントが開催されておりました。

夜通し色んなパフォーマンスが楽しめたり

六本木の美術館が遅くまでやってたり

まぁ、その名の通り

六本木でアートなナイトを楽しもうってな具合なんです。

で、僕も行ってきました。

２８日の夜はのっぴきならない理由で

行けなかったので日曜の昼行ってきました。

お目当ては…

これです。

ヤノベケンジ作、ジャイアントとらやん。

その大きさなんと7.2m。

でかい。でかすぎる。

そもそもとらやんというのは

こんなやつらなんです。

が、ジャイアントとらやんは半端じゃなくでかい。

おなかの中にとらやんが乗っていたので

恐らく、とらやんが操縦するロボ的な位置付けなんでしょう。

そしてそのロボの必殺技…

そうです。火吹くんです。

（写真下手ですいません）

すごいです。こんなでかい金属の塊みたいのが、火吹くんです。

え？何？

何なの？

とらやん？

火、吹くの？なんで？なんのために？

と、多くの人がそうお思いでしょう。

無理もありません。

こんなわけのわからない巨大ロボを目の当たりにして

冷静で居られる方がおかしいのです。

では説明しましょう。

これらとらやんを代表とするヤノベケンジの作品は

あるひとつのコンセプトに支えられています。

それは「大変な事になるであろう未来を生き抜く事」です。

ちびとらやん達が着ているのは放射能から身を守るスーツ。

ジャイアントとらやんはとらやん達を

色んな危機から救ってくれる力強い味方。

とらやん達は終末を生き抜くためのサバイバルマシーン彫刻群

というわけなんです。

いやいやいやいや…

自分で説明しといて何ですが

んなアホな。

ちょっと待て。

って、思いませんか？

だって「大変な事になるであろう未来を生き抜くため」に

ジャイアントとらやんに火を吹かせるんですよ？

これ言うのは簡単ですけど

形にするのってとんでもない事ですよ？

いったい何から手つけていいのか検討もつきませんよ。

正直むちゃくちゃですよ。

いったいどんだけの時間と

どんだけの費用と

どんだけの知恵をしぼって

ジャイアントとらやんなるものを完成させたのか…

想像しただけで恐ろしいです。

「何をしようか考える。その一瞬のみクリエイト。

後はひたすらただの作業。」

これは会田誠が言っていた事ですが

ほんとにそう思うんです。

その”作業”をどんだけやれるか。

そこが勝負なんです。

ヤノベさんは信じきってるんだと思います。

自分の妄想を。

未来は大変な事になる。

だからとらやんが必要だ！

そうだ！我々にとらやんは必要なんだ！

そう信じて、”作業”し続けているに違いない。

じゃなきゃこんだけのもの作れない気がします。

これ、形にするの、ほんとに、すごい。

僕はヤノベさんが大好きだ。

このジャイアントとらやんを観に

多くの人が集まっていました。

大きいロボが火を吹く。

それだけですよ？

みなさん、それだけなんですよ？

ああ！そうです！

だけどそれだけじゃないんです！

そこにある秘められた思いに

きっとどこかが反応してるんです。

わかります。

なんとなーく、わかります。

とらやんに思考が覚醒されっぱなしの

寝不足の日曜日でした。

ps

帰りに牡蠣を食べましたが

相当うまかったわけで。

絵画的立体感：加藤康ニ郎「accumulation」

rock_hopper1985 — 2009-03-20T22:54:20+09:00

こんばんは。

ブログ放置最高記録達成していました…。

なんだかんだと忙しい日々を送っていたわけですが

展覧会に行ったり、舞台を観たり、本読んだり…

吸収する事は忘れずに過ごしております。

さて、そんなこんなで先日GEISAI♯12に行って参りました。

Kaikai-kikiが主催の作家主体のアートフェアなんですが

デザインフェスタ同様、多種多様というか

ムラがあるというか、混沌とした場所なのです。

玉も、石も混ざり合ったこの会場で

目をカッ開いて、思考フル回転でブースを観て回るわけです。

そして…

今年は出会えました。

素敵な作品。

加藤康二郎「accumulation」

ひたすらに黒いこの作品。

素材は…油彩・キャンバス。

２年間キャンバスに油絵具を重ね続けた作品なのです。

この作品を前にして

黒く光沢のある画面にぼやけて映り込んだ自分と対峙し

考えます。

絵画、ってなんだ？

結局は塗料の塊…か？

なんだこの立体感は？

これが平面作品と呼べるのだろうか？

－絵画的立体感

絵画とは何かを考えた時。

それは至極客観的に言えば、

「色や線を重ねた平面」と言う事ができると思います。

まぁ、間違いではないと思います。

彫刻やインスタレーションなどは立体。

版画、絵画、写真などは平面。

でも、平面と呼ばれるこれらの媒体って

厳密な意味では平面ではないですよね？

油絵を英語で表記する時　oil on canvas　

なんて書いたりするわけですが

このイメージの通り、キャンバスの上の油絵具

というニュアンスなわけです。

つまり平面とはいうものの

完全にフラットなわけでは無いわけです。

油にせよ、アクリルにせよ、鉛筆にせよ

「塗料」なる物体が、「支持体」なる物体にのっていると

そういう話になるわけです。

厳密に言えば絵画もひとつの物体であるわけで

それはもちろん「立体」なわけです。

こういう絵画の持つ独特の立体感を

強く感じとれる作家は結構います。

白髪一雄さんなんか、僕は好きなんですが

彼の作品はもう結構立体の領域ですよね。

ジャクソン・ポロックさんなんかも

絵の具を垂らしたり、叩き付けたりで不思議な立体感があります。

今日KOYAMA TOMIO GALLERYで観てきた山本桂輔さんなんかも

絵の具を盛る技法を使って独特な画面をつくっていました。

ですが、やはりこれらの持ってる絵画の立体感、即物感というのは

絵の具の「盛り」からきているわけです。

オートマティックに発生した「盛り」にせよ

意図的に生んだ「盛り」にせよ

それはあくまで盛られた絵の具であって

これは粘土をのっけるのと近い様な感覚があります。

彫刻的な立体感です。

しかし加藤さんの作品のもつ立体感は

これら上記の作品のもつものとは、明らかに異なります。

油絵の具を重ねる事によって生まれた画面は波をうち

その表面は油の光沢によって反射面となって陰影を強め

強かで、重い、確かな立体感を生んでいます。

限りなく平面的である油絵の具をレイヤーとして

重ね続ける事によって生まれた、絵画的立体感なんです。

加藤さんは僕と話をしているとき「…～描く」と言いました。

この作品に対して描くという表現を使うところが

引っかかって覚えていたのですが

眺めれば眺める程、納得がいきます。

この黒は、キャンバスに、描かれたものだ、と。

絵の具を盛ったわけでも、垂らしたわけでも無いんです。

ただひたすらに黒を描き続けてるんです。

描く、という平面の本質的な行為を続け

それが結果として立体感を生んでいる。

それはとても絵画的でありながら

絵画的である事を嫌う即物感をもった

とてもアンビバレントな存在なのです。

作品を買うようになって

段々と自分の心に大きく触れるものが何なのかわかってきました。

自分の好きなものがわかってきました。

だけど、それらが世の中的にどうなのかとか

美術史的にどうなのかとか

そんな事中心に考えて作品を観てるんじゃないんです。

ただ、心に響くんです。全く説明不可能。

この「キャンバスの上の黒の絵の具の塊」が

僕の心を響かせて止まないんです。

加藤康ニ郎さん…これからも本気で応援したい作家さんのひとり。

出会えた事に、感謝。

今年も欠かさず…：国立新美術館「１２th文化庁メディア芸術祭」

rock_hopper1985 — 2009-02-13T00:43:17+09:00

今年も行ってきました、文化庁メディア芸術祭。

これはその名の通り、文化庁が主催するイベントで

メディアアートを

・エンターテイメント

・マンガ

・アート

・アニメーション

に別け、応募作品を募って審査して

大賞なりなんなりを決めて展示するというものです。

「がんばれ！メディアアート！」という事です。

僕が初めてこのイベントに行ったのは、第５回の時でした。

それから欠かさず行ってるのでもう８回目です。

大好きなんです。面白いです。

だから、まだ行った事無い人には是非行ってもらいたい。

というわけで、それぞれのカテゴリーの展示を紹介します。

写真OKだったので画像たくさんあげちゃいますよ。

■アート部門

アート部門は子どもから大人まで楽しめる参加型の作品から

深い味わいのある写真・映像作品まで手広くカバーしています。

会場が基本的にワイワイしているので敷居は低く

素直にアートが楽しめます。

気になった作品達をちょっとアップしてみましょう。

Markus Kison「touched echo」

手すりに肘をついて耳に手をあてると

街の雑踏が聞こえるという作品。

骨伝導で音が伝わってくるという仕組みなんだそうです。

素敵です。

Alexander Mendelevich「outside」

この絶妙な非日常っぷり、たまりません。

本展一押しの作品。僕ならこれにグランプリです。

Mark Formanex「Standard Time」

２４時間木材を組み替え続ける事でデジタル時計を表現します。

カッコよすぎです。

９：５９→１０：００とか１分間で出来るのでしょうか？

■エンターテイメント

ここはゲームやweb等「人を楽しめる」メディアが集まります。

この部門のグランプリを取ったテノリオンは

群を抜いて面白かったです。

岩井俊雄「テノリオン」

たくさんあるボタンが全部音階になっていて押すと音がでます。

音の出方を簡単にプログラム出来て

素敵な音楽が感覚的に作れるのです。

これ、かなり面白いです。欲しいです。

You Tube さんに動画あったんで張っておきます。

またこの部門の中心となるゲームは実際遊べます。

子どもたちはドラクエに夢中です。

閉館までに全クリできるのでしょうか？

あとwebコーナーで紹介されていた

月刊剣道時代のブログパーツを左側にセットしてみました。

ブログ内にある弱気な言葉と戦ってくれるみたいです。

良かったらクリックしてみてください。

■アニメーション

アニメーションのコーナーではたらふくアニメが観れます。

目薬が必需品です。

湯浅政明「カイバ」

谷口悟朗「コードギアス」

上記２本観ました。

湯浅政明さんはマインドゲームから崇拝してます。

コードギアスは続きが気になるんでレンタルしようかなぁ…。

■マンガ

マンガも閲覧できます。

もうゲームやってアニメみてマンガも読めます。

しかもこの展覧会無料です。

文化庁イケてます。

税金払いたくなります。

一色まこと「ピアノの森」

今年のグランプリ作品です。

原稿などが展示してありテンション上がります。

ですが個人的には、大好きな「もやしもん」も

「ハチワンダイバー」も無冠というのは残念です…。

さて、メインの文化庁メディア芸術祭は

上記の４部門に支えられているわけですが

他にも展示があり、楽しめます。

■先端技術ショーケース

科学と文化の融合を目指す人たちを紹介する

というコンセプトのこんなブースもあります。

「先端技術」で表現やエンターテイメントを行う、みたいです。

僕が訪れた時丁度パフォーマンスを行っている最中でした。

人の影を映像化する装置を使ったダンスなのですが

本当に素晴しかった。

佐藤夏希さんというダンサーなのですが

身体を解放する事の喜びに溢れ、それが空間に広がり

僕にも流れ込んで来たようで、涙が出そうになりました。

これは本当に観れて良かった。感謝。

こう言っては何ですが

後ろの装置がどうでも良くなるくらい

彼女のダンスが良かったです。

■学生CGコンテスト

これは学生を対象にしたメディアアートのコンテストで

静止画、動画、インタラクティブの三部門で行われています。

そしてその受賞者展覧会をここでやってるという感じでしょうか。

この作品がおもしろかったです。

シャボン玉を飛ばし

それが先の鉄の棒に当たると音が鳴る

という作品。

（キャプション控えるの忘れてしまいました…）

偶然性に溢れた音階は何だかとても美しいのです。

はい、というわけで、以上、文化庁メディア芸術祭でした。

完全に情報過多ですね…。すみません…。

でも、ほんとに好きなんです。特に今年は良かったんです。

すべての展示を観て帰ることには

入り口には長者の列。

入場制限、だそうです…。

このイベントはやはり

午前中から行くのがおすすめです。

その方が人は少ないですし

アニメや動画をたっぷり観て

ゲームに没頭して

漫画を読んで

アートに夢うつつで帰れますからね。

本当に１日楽しめるイベントです。

今週末までやってるので

是非足を運んでみてください。

おすすめですよ！

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿

第12回メディア芸術祭
会場: 国立新美術館
スケジュール: 2009年02月04日～ 2009年02月15日
住所: 〒106-8558 東京都港区六本木7-22-2
電話: 03-5777-8600
入場無料！

杉山コレクション２：杉浦慶太「Dark Forest」

rock_hopper1985 — 2009-02-08T10:55:29+09:00

写真を買いました。

いつもお邪魔しているブログの記事で紹介されていて

すっげぇ気になっていたんです。

カッコいいなぁ、カッコいいなぁ、と。

そして去年運良く足を運べたGEISAI MIAMIで

彼の写真の実際に拝見。

購入を決めました。

杉浦慶太さんはGEISAI♯11で銅賞に選ばれた注目の写真家。

ついこの前までCASHI - Contemporary Art SHIMA

というギャラリーでも個展を行っていたようです。

彼が撮るのは、森。

いや、杜というべきでしょうか。

奥深く、思慮深く、畏敬深く

深い、深い、森の写真です。

自然の明るさだけで撮った、森の写真です。

―私たちと森―

巌谷國士さんがその著書

「シュルレアリスムとは何か/ちくま学芸文庫」で

森について言及しています。(139-150pp)

おもしろいのでちょっと引っぱってみましょう。

おとぎ話に登場する森についての論述なのですが

まぁ、簡単に要約してしまうと…

人間は森から生まれ、そこから離れ

農耕を生み出し、森と対峙してきた。

おとぎ話に登場する森には

人間が森にいたころの記憶を喚起させる効果があり

話を読むと漂う一連の「懐かしさ」もそこから来ている

というのです。

一神教に依拠して科学を生んで自然をコントロールしようと

精霊信仰に依拠して自然に溶け込もうとしようと

まぁ、そういう話はとりあえず関係無いわけです。

とにかく、人間は「森出身」なわけだから

そこに何かしらの回帰願望や懐かしさを感じる、というのです。

森林浴なんていうのが流行ったりもしましたが

それもこういた回帰願望のひとつなのかもしれません。

それに加えて森は畏怖対象でもあります。

(おとぎ話においても森はよく畏怖の対象として描かれます。)

日本語では、もりに森と杜という二つの漢字をあてる事ができ

後者は神が宿る神聖な場所というニュアンスを持っています。

英語でもwoodsとforestというふたつの表現がありますが

前者はwood(木材)からも想像しやすいように

自らの生活に近い森を意味します。利用資源としての森です。

ですがforestは不可侵の領域というようなニュアンスを持ち

やはりそこには畏敬の念が込められているのです。

つまり森には、回帰願望（入っていきたい！）と

畏敬の念（恐れ多くて入れません！）が

混在している事になるのです。

もう、これは、杉浦慶太さんの写真、そのものだと思うのです。

マット紙にインクジェットという手法で生み出された黒。

テカテカしたいわいる「写真」的印象では無く

すこしザラリと乾いた独特のマチエール。

(写真にマチエールという表現を使うのには

それだけの理由があるのです)

画像では非常に伝えにくいのですが

それはただひたすらに暗闇を表現し、

身を委ねたくなるような奥深い、黒なのです。

そしてこの暗く深い森には

底知れない何かを感じ取る事ができます。

見えない。捉えられない。

すなわちそれは恐怖を意味するのだけど

だけど、ただの恐怖で終わらない深み。

それは畏敬と表現するに値する何かなのです。

ただ、この畏敬の念と回帰願望は、対立概念では無いと思うのです。

両方の感覚が混在し、溶け合うことなく混じり合っているのが

人間が抱いている森への感覚なのかもしれません。

そういった意味で、杉浦慶太さんの森は

間違いなく、森、だと思うのです。

この森には、単なる復古主義的なアニミスム

(という局地的な思想)だけでは無く、

より根源的なプリミティブな記憶に響く何かがあります。

マイアミの展示でも多くの人が杉浦さんの作品を

興味深そうに眺めていました。

本当に森というやつは、深い、のです。

人間の奥の奥の方に響く

いや、生物の奥の奥の方に響く、のかもしれません。

写真家・杉浦慶太。

是非、名前、覚えておいてください。

※写真を２枚あげましたが
僕が購入させていただいたのは上の写真のED4/10です。
作家の紹介のため下の写真もアップさせていただきました。

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿

GEISAI 杉浦慶太インタビュー

全自動人間洗濯機について：国立科学博物館「１９７０年大阪万博の軌跡展」

rock_hopper1985 — 2009-01-31T00:30:42+09:00

更新する頻度にムラがあって申し訳ありません。

ま、生きてればいろいろありますよね。

余裕がある時、無い時。

今は若干前者よりという事です。

というわけで、今日は先日観てきた

この展示の紹介をしたいと思います。

「１９７０年大阪万博の軌跡展」。

そのタイトルの示す通り、

大阪万博についての様々な資料や模型の展示がされており

映像や実際の展示物等を通して当時の雰囲気を何となく味わえます。

日本館ってどんなだったの？

他の企業パビリオンは？

大陽の塔の内部？どんな？

そんな疑問を常日頃から抱き悩んでる人には

きっと素敵な答えを提供する場になってくれるでしょう。

さて、そんな本展ですが、

ばーっと観てましてね。

いや、主に当時展示されていた物も観てましてね。

本当に何というか

パラダイムと言いますか？

エピステーメーと言いますか？

「時代の違い」を感じたんですよ。

あ、今とは違う時代だ、と。

その時「良い」とされるもの。

「憧れ」るべき未来。

目指すべき方向。

そんなもの、４０年程で簡単に通用しなくなるんですよね。

これはサンヨーパビリオンに展示されていたそうです。

なんだと思います？

全自動人間洗濯機だそうです。

「豊かな暮らし」を実現するものとして紹介されていたらしいです。

何もしないでも勝手に体洗ってくれるのよ～ふんふふん♪

といった具合です。

いや、要らないでしょ！？

と、思わずツッコんでしまいました。

何なんですか、この「自動化」への盲目的信仰は…。

「経済成長、技術向上、物質的充足」という神様が

まだご健在だった時代なんですね。

うん。今とは時代が違う。漠然とですが、明らかに。

ここ４０年程で技術や豊かさへの価値観というのは

本当に大きく変化してきたのだなぁっと実感。

全自動人間洗濯機の隣を観て、さらに実感。

左にあるピンクのヤツが

現在の全自動人間洗濯機、という事みたいです。

今ではその技術が商品化されるまでに確立され

介護の現場で役立っているそうです。

「過去の発想が、現在に繋がっています！」

そう言いたいんだと思います。

確かに技術的には繋がっているかも知れませんが

しかし、その意味合いは全く違うと思うのです。

これは「誰もが憧れる夢の機械」でしょうか？

このまま技術を闇雲に進化させ続ければ

人間の身体機能は低下していくばかりである！

なんて話を聞いたことありますケド

４０年程前に提示された夢の「技術」が

今では介護に

つまり身体機能を補助する事に役立っているというのも

考え深いものがあります…。

なんか暗い話になってしまいそうですけど

僕はこの時代のまっすぐなエネルギーって好きなんですよ。

ただ、その違い、現在に至る変化みたいなものを

改めて実感したなぁ、という感想なのです。

万博というのは、その時代の特有の

過去の捉え方、現在の状況、そして展望する未来

そんなもんがやっぱりギューっと詰まっているわけです。

だから現在生きる僕からすれば、もちろん違和感を感じるわけです。

考えてみれば当然です。

当然ですよ。

時代は動き続けているのですから。

そんなの時代の変遷に思いを馳せたい人は

ちょっと覗いてみてください、この展示。

エキサイティングですよ。

「友達」も待ってますし…。

__________________
特別展：１９７０年大阪万博の軌跡
＠国立科学博物館
２００９年１月２２日ー２月８日
午前9時～午後5時(金曜日は午後8時まで)
※入館は各閉館時刻の30分前まで
○大人(一般・大学生)：1,000円
○小・中・高校生：400円

タカミネタダス：高嶺格「在日の恋人」

rock_hopper1985 — 2009-01-29T22:56:20+09:00

現代美術作家、高嶺格さんが書いた本です。

自分と在日２世である恋人。

その恋人への思い。

その思いをモチベーションにした京都ビエンナーレでの制作。

結婚。

そして出産。

そんな高嶺さんの人生の一部分が綴られています。

本の帯から引用します。

「あなたのその、在日に対する嫌悪感は、なんやの?」とKは言った。

僕はその質問に答えねばならなかった──

嫌悪感など無かった、と作家は言います。

だけど恋人にそう言わせてしまう

「何か」が自分の中にあったかもしれない。

彼は同時にこうも言うのです。

そしてその「何か」を明確にするため

作品の制作に取りかかるのです。

この人は本当に、まっすぐな人だと、そう思いました。

自分の中に生まれる嫌な気持ち。

変に封じ込める事なく

向き合って

吟味して

戦って

作品にすら繋げていく。

「作家」という生き方。

恋人や、家族のあり方。

その断片を、覗いたような気がします。

一般的な在日論などチラつきもしません。

ですが、至極プライベートな恋人への感情の中に介入する

「歴史」を受け止めて、自分なりの形で昇華していく作家の姿には

本当に感銘を覚えます。

どちらの宗教や歴史に属す事なく

新しいスタイルで行われた結婚式。

そんな事したって、在日問題の抜本的な解決には至らない。

けれども、彼らは

過去を受け止めつつ、新しい選択をしたんです。

とても大切な事を

教わった気がします。

僕は高嶺さんが大好きなんです。

高嶺さんの事を何もわかっちゃいないから

大好きなんて言っちゃいけないんです。

だけど、俺なんかには何も理解できないくらい

大きな人で…深い人で…だから大好きなんです。

だから言ってしまいます。

僕は高嶺さんが大好きなんです。

この本が読めてよかったです。

少し近づけた気がします。

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿

高嶺格「在日の恋人」
河出書房新社
単行本　１８９ページ

「女子高生」と妄想：青山裕企「school girl complex」

rock_hopper1985 — 2009-01-20T00:39:40+09:00

女子高生　でイメージ検索をした事がある人すべてに問います。

あなたがそこに期待しているのは何ですか？

青山裕企という写真家のschool girl complexというシリーズ。

ソラリーマンという写真のシリーズが好きだったんですが

この新しい作品達も素敵なので紹介。

僕は男子校出身者なので

学校生活における女子高生の実態をさほど知らず

そのため妄想し放題なわけですが

その妄想が具現化されて発表された！

って感じですごく恥ずかしいです。

妄想というのは凄く素敵なニュアンスを持った言葉だと思います。

何か日常的に起こりうるものを出発点としながら

そこからちょっとした非日常に向かう囁かな跳躍力。

かけ離れた未来に向けた想像力とは少し違う。

日常から手を離さないで行ける別の世界。

写真の文脈も、日常的とも非日常的とも言えない中間性を持ち

絶妙な「揺るぎ」を観るものに与えます。

妄想はまたとても個人的でエゴイスティックなものです。

妄想において余計な情報（現実）は排除され

自分が観たい、自分が叶えたい願望それだけが体現されます。

では作者が観たかったものとは一体なんでしょうか？

背景は極力単色に、シンプルにまとめられ

モデルとなる少女達の匿名性は高く

そう、少女と呼ぶのに抵抗が生まれるくらい匿名性が高く

しかしマネキンと呼ぶには温かく…

その不思議な体温を持った少女達は

身体性を緩やかにフェードアウトさせ

ある一つのファクターだけが鮮明に浮かび上がってきます。

そう、「制服」です。

これはきっと「制服」に対するフェティシズムであり

それを取り巻く作者が抱く、妄想なのです。

とても密やかに行われる

プライベートな

青い

妄想。

その個人的妄想は

どこに着地するかわからない独特の浮遊感と透明感を持って

「女子高生」という社会的記号性に、なぜか絡むのです。

「女子高生○○さん」の写真ではなく「女子高生」の写真。

社会的にいつの間にか付与され

認識される「女子高生」という記号、その意味。

個人的に発せられる妄想が

結果として社会的に認知された記号性を帯びるのは

とても不思議な感覚です。

シンプライズされ、匿名化され

制服というアイテムから

「女子高生」という社会的に享受された記号性を放つ「彼女たち」に

鑑賞者はいったい何を観るのでしょう？

この青山裕企のschool girl complexは

彼のブログ上で、毎日１枚づつ更新されていきます。

まるで、学校に行くみたいに。

是非、チェックしてみてください。

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿
青山裕企
ホームページ：http://yukiao.jp/
school girl complex：http://d.hatena.ne.jp/sgcx/

新年のご挨拶：青森アートの旅

rock_hopper1985 — 2009-01-14T23:47:12+09:00

みなさん、明けましておめでとうございます。

遅くなりました。すみません。

というわけで新年一発目。

お正月休みをつかって、青森に行ってきました。

ホタテがうまい。マグロがうまい。

そして何よりアートがうまい。

青森アートの旅。写真と一言感想そえて。

アップしちゃうぜ。

まずは十和田市現代美術館。

街に溶け込む建築がすごくいいですね。

展示室が大きなガラス面を用いてるため

外から丸見えです。

現代美術は「なんだこりゃ！？」が多いですが

ここで生まれる「なんだこりゃ！？」はとてもポジティブです。

高飛車な敷居の高い展示でよく見かける

「何これ？私にはわからないわ～」はありませんでした。

それはきっと美術館自体がオープンで

スーっと入りやすく、そして作品もスーっと鑑賞者に入りやすいからでしょう。

常設コレクションも素晴しい見応え。

建築の力、街の力、アートの力。

素敵です。

そして寺山修司記念館。

おもしろい。

懐中電灯片手に引き出しを引っぱり出して

寺山修司を探しました。

やはり、作家が持つべきは「思想」だろうと思う。

俳句だの、演劇だの、映画だの

メディアを越えて介在する

彼の人となりと思想に惚れました。

そして、俳句の魔術に打たれました。

最後は青森県立美術館。

地元ゆかりの作家を紹介するのが県立美術館のお決まりです。

ですからここでは、奈良美智やら棟方志功やら寺山修司やらが観れます。

後半は資料展みたいになってて疲れましたが

ブランディングのしっかりしたオシャレな美術館でした。

スタッフのユニフォームがミナですか…。

ん～…雪国なのに温かい。

というわけで真冬の青森アート遊覧。

寒さにかじかむ手をこすり、白い息を吐きながら我思う。

美術館が無かったら行かなかっただろなぁ、っと。

いやはや、最近旅行のモチベーションが美術館ですよ。

去年遠征は金沢、水戸、静岡でした。

今年は広島現代美術館行きたいですね。

直島でナウマンが観たいですね。

北京でナム・ジュン・パイクが観たいですね。

フィラデルフィアで大ガラスがみたいですね。

というわけで、まだ死ねないみたいです。

演劇：BABY EINSTEIN「植物さん」

rock_hopper1985 — 2009-01-10T00:19:03+09:00

僕が思う演劇の魅力は、その言語の多様さにあります。

言語の多さと言っても、セリフのことだけではありません。

役者（セリフ）という言語。

舞台装置という言語。

照明という言語。

音楽という言語。

ステージ上のすべてのものが言語になりえ

演出者はそれをまとめあげ、鑑賞者に語りかけるのです。

目から、耳から、色んな言語が僕の中に入り込み

頭や、心や、色んなところを刺激してひとつの物語が生まれていきます。

この演劇のおもしろさをBABY EINSTEINから学びました。

音楽も照明も空間も、役者（セリフ）を助長するためにあるのでは無いのです。

それもひとつの独立した言語たりえ、語りえるのです。

ただ、多くの鑑賞者は役者（セリフ）という言語を

重点的に観ている事が多いです。

まぁ、一番日常的ですからね。

だから役者（セリフ）という言語をあまりおろそかにすると

「わかりにくい」とか「自己満足」とか何だか可哀想な感想文を

作り手は目にする事になってしまいます。

中々辛いところですよね…。

でも、別にそんな事はどうだっていいんですよ。

個人的な意見ですが、僕は演劇が観たいんです。

セリフだけを聞きに来て、それで何かを感じようって人は

ラジオドラマでも聞いてりゃいいんです。

そもそも、言語というのは完全なものではありません。

意図したことが１００％伝わる事はまず無いと思っていいと思います。

役者（セリフ）という何やら伝わりやすそうな言語ですら

１００％理解される事は、まず無いでしょう。

だったら自分の演出を信じてあげてほしい。

僕はそう思うんです。

「私は幹子です」っていう役者（セリフ）という言語より

何も言わずタイムカードを押し続け、その横に植物がおいてるという

空間という言語が力を持ったりするわけです。

「母さんと似てるから！」っていう役者（セリフ）より

父さんがジッと肖像画を見つめてるっていう役者（動き）という言語に

グっときたりするわけです。

「私のレシピ…」という挿入音（声）はあれだけで十分効果的です。

蝋燭もって開かずの扉行くところとか大好きです。

もう何も喋らなくていいくらいに演出が素敵です。

決して役者（セリフ）が良くないとか言ってるんじゃないんです。

ただ、他の言語を信じてほしんです。

２回同じ事を言う必要はないんです。

伝わるから。伝わるから。

BABY EINSTEINは色んな言語を持っている劇団です。

信じて、信じて、信じて、信じきって。

無駄に。無根拠に。

これはきっと単なるファン意識です。

ジャイアンツの選手の采配にグダグダ言うような感じです。

「二宮くんはバラエティよりドラマやってほしいよねぇ」

とか、そういう感じです。

ファンは身勝手で、気楽で、言いたい放題で…

だけど、嘘じゃないんです。

僕が、思った事です。

演劇がファッションや音楽のようにメジャーに…

素敵じゃないですか。

その演劇ってのが、総合芸術で、

その総合芸術ってのが、言語の多様に満ちているものだと

教えてくれたのはBABY EINSTEINなんです。

演劇を、続けてください。

大好きです。

BABY EINSTEIN公式ホームページ

２００８年勝手にランキング！

rock_hopper1985 — 2008-12-31T13:11:27+09:00

さて、１２月３１日です。

働く様になってから、「年末ムード」みたいなものを敏感に感じるになりました。

テレビやら、広告やら、何やら。

みんなで一所懸命つくりだす「年末ムード」。

以前は冷ややかに感じていたんですが

今は、なかなかいいじゃないか！と思う。

４桁の数字がひとつ変わることを口実に

色々と区切りを付けて気持ち新たにやったらいいのさ。

よし、そんな感じでいこう。

というわけで、今回は今年観た展覧会を振り返ってみようかと思います。

年末は熱い展覧会や企画が多くて、全く書ききれていないのですが

それらを放っといて、とりあえず今年を振り返ってみます。

早速はじめましょう。

２００８年展覧会　勝手にランキング！

別にもったいぶる程おもしろくないので

まとめて１位まで発表です！

第３位！

エイリアン展　日本未来科学館

第２位！

石田徹也　練馬区立美術館

第１位！

舟越桂　夏の邸宅　庭園美術館

作家がおもしろいのと、展覧会がおもしろいのは話が違う。

それを考慮した上で、上記３つを選んだよ。

エイリアン展は美術展じゃないけど、

展覧会を観る前と観た後では確実に「自分」が変わった。

そんな強いコンセプトと情報量をもっていた。

そしてそれを楽しみながら吸収できるというエンターテイメント性もあり

ひとつ展覧会の理想だったと思う。

今年観た美術展にはこういう「企画」として強いチカラを持ったものが無かった。

個展としておもしろかったのは多かったけど

何かひとつメッセージを打ち出すような「企画」は少なかった。

（わたしいまめまいしたわ　パラレルワールド　風景ルルル

　あたりは試みてはいたけど…）

アネット・メサジェも宮島達男もおもしろかったんだケド

上の１位と２位は「展覧会」として工夫があったので評価。

石田徹也は展示室３つの活かし方が非常に上手だった。

作家の描き方が変わった年代でわける見せ方が

内面の変化までも伝えるようでとても効果的だった。

１位の舟越桂に関しては、もう空間が美しすぎる、としか言えない。

美術館のアールデコ空間と木彫作品がお互いを殺す事なく引き立て合い

作品の新しい側面を観れた気がする。

これは本当に良い展覧会でした。

ズバ抜けた空間力。ん～思い出深い。

今年観た展覧会３７展。

来年もたくさん色んなモノを観て、聞いて、読んで

自分を固定化しない様グダグダと考え

自分をひとりにしない様ダラダラと書いていきます。

（来年は漫画レビューを増やしたい！）

今年の半ばから始めたブログですが

こいつを通して素敵な出会いもありました。

嬉しいものです。

ブログを読んでくださる皆様。

今年一年本当にありがとうございました。

それでは良いお年を…。

余談ですが

大掃除でタンスと机の撤去に成功しました。（手伝ってくれた人々ありがとう）

あぁ、捨ててやりましたよ。展示がしたくてね。

へへへ…♪満足♪

来年もこのまま美術中心主義的生活です！

空間を呑込む空間：原美術館「ジムランビー　アンノウンプレジャーズ」

rock_hopper1985 — 2008-12-25T00:54:26+09:00

ジム・ランビーの作品を初めてみたのは

オペラシティでやってた「メルティングポイント」とかいう展覧会だった。

床一面にテープを張り、サイケデリックなストライプをつくる。

そしてまた象徴的な立体を、絶妙なリズムでその上に配置する。

彼の作品をみると、「作品」という概念が浮かばない。

これが何と言う作品、あれが何と言う作品。

んなコタどうだっていい。

キャプションなんか要らない。

彼の生み出すものは、ひとつひとつで成り立つものじゃあなく

空間として、世界として成り立つ。

原美術館での展示は、その色がさらに濃く感じられた。

大好きな深い木の色を残したフローリングはすべて

黒と白の曲線で紡ぎ出されるこれまたサイケデリックなパターンで覆い尽くされ

展示室、廊下、階段、いたるところにオブジェが配置されていた。

美術館すべてが彼の世界に染まっていた。

ところで、今回の展示の基調となるこの白と黒の床。

何か思い出しません？

そうです。

第１２使徒レリエルですよ。

レリエルはその内部にディラックの海なる虚数空間を内包してるけど

んもうこの床の機能もディラックの海、そのものだった。

床の上に置かれたオブジェ、は取り込まれていく寸前だし

壁にかけられたロックスター達の肖像も時間の問題。

ドアは半開き。ディラックの海が流れだそうとしてる。

呑込まれる呑込まれる…クラクラクラクラ…

空間を支配するジム・ランビー。

その空間に支配される俺。

だって、逃げられないんです。

床が全面ディラックの海だから逃げらんないんです。

だから展示室を移動しても、気持ちが切れない。

なんというか、移動した気もしない。

空間が溶けてひとつになっている様な感覚。

この空間力。美術館をひとつにする力。

自分の世界をつくりだす力。それに人を引きずり込む力。

今回の原美術館の展示は、そんな感じに空間の統一感が半端じゃなかった。

でも逆に言えば、この展示で色々な彼の側面が観れるわけじゃない。

CDで言えばアルバムではなく、シングルって感じ。

ただこのシングル、なかなかの聞きごたえ。

ボリューム最大、無限リピート。トリップする事間違い無し。

おすすめです。

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿

原美術館「ジム・ランビーアンノウンプレジャーズ」

開催日時
2008年12月13日～2009年3月29日
11:00～17:00、祝日を除く水曜日/11:00～20:00
（入館はいずれも閉館の30分前まで）
※休館日は毎週月曜日（祝日の月曜日は開館し翌日休館）
　休館日：12月29日～1月5日

料金
一般1000円、大高生700円、小中生500円

お問い合わせ先
原美術館　03-3445-0651

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿

そうそう原美術館には素敵な常設作品もいっぱいあるんだけど

今回ばっかりは観るのは後回しにした方が良さそう。

美術館全体を使った空間作りをしているから

気持ちを切ってしまったらもったいないかも…。

「国」の紹介…って？：森美術館「チャロー！インディア-インド美術の新時代」

rock_hopper1985 — 2008-12-19T00:29:03+09:00

さてさて、もうすっかり年末ムード。

何だか知らないけども、今年の年末年始は楽しみな展覧会が多くて

ドキドキワクワクしております。

原美術館のジム・ランビー…

ワタリウムの島袋さん…

ん～良い年末年始になりそうだ。

さてさて、そんな楽しみな展覧会はさておき

「チャロー！インディア-インド美術の新時代」を観てきました。

森美術館で開催されている本展は、その名の通り

インドの現代美術を紹介するってもの。

この手の展覧会は本当に気になる。

決して楽しみなわけじゃない。

気になるのだ。

「インド」を紹介する？

なんじゃそりゃ？

と、思って観に行く。

で

おもしろかった。作品それぞれは。

だけど、展覧会としては、なんというか、インド臭すぎた。

インドの町並みをテーマにした作品とか

インドの宗教をテーマにした作品とか

インドの切手やお金をテーマにした作品とか

ほんとに？

ほんとにインドの作家はみんなそんなに？

そんなに自分のナショナリティばっか気にして作品制作してんの？

ってそんな気がしてしまう。

これ、俺はインド知らないからエキゾチックでおもしろいけど

ほんとに現地でも認められてるんですか？

という作品も多々。

う、う～ん…。

なぜこんな事態が起こりうるのでしょうか…？

インドの作家の大半は本当に「国」にガンジガラメになって制作しているのか…？

それともキュレーション側が鑑賞者の期待に答えようとしてるだけか…？

（そう、それはインド料理屋にカレーを期待し

その期待を読み取りカレーをサーブするインド料理屋のように）

はたまた、鑑賞者側の「インドの現代美術ですよ！」という前知識からくる

「おお！これがインドの現代美術か！インドっぽいな！」という幻想か…？

俺はこの手の展覧会に疑問がムンムンです。

今回の記事で言いたい事等ありません…

単なるクエスチョンです。

この「○○の現代美術を紹介」的な展覧会は

いったい何なのか？

それを改めて考察するため

近年筆者が観た「○○の現代美術を紹介」的な展覧会と

その簡単な感想をまとめてみました。とりあえず。

（落とし所は今のトコロ見えていません）

●「Follow me!新しい世紀の中国現代美術」＠森美術館
　　２００５年７月２日→９月４日

進む開発、壊れる伝統…その間で揺れる中国。

そんな感じだった。なんか全部それぞれおもしろかったんだけど

向かってる方向がみんな同じで、つまりその伝統と開発の問題とかで

なんだか一元的だなぁと思った。

ま、当時、それが中国！っちゃあ中国。

●「転換の作法―ポーランド、チェコ
　　スロヴァキア、ハンガリーの現代美術」＠東京都現代美術館
　　２００６年１２月１３日→３月２６日

え…あ…ていうか範囲広過ぎませんか？４カ国？無理ない？

しかも全然思い出せない…なんか重たい服があった気がする…

●「show me Thai-みてみ★たい」＠東京都現代美術館
　　２００７年４月１８日→５月２０日

これは覚えてる。なんだか飢餓とかストリートチルドレンとかを

テーマにした作品が多くて、重いなぁって思った覚えがある。

そんで日本の個人の個人的な個人性の強い作品とかに苛立ったりしてた。

この展覧会のイメージをそのまま受け取るなら

タイは社会性の強い作家が多く、アートはメッセージを発信するツールとしての

機能が強く働いているんじゃないかなぁという印象。

しかしすげぇタイトルだな…。

●アヴァンギャルド・チャイナ＠国立新美術館
２００８年８月２０日→１０月２０日

この展覧会の優れているところは、時代をしぼったところ。

時間軸を設定したところ。

「今現在」じゃなかったからある種の歴史解釈として楽しめた。

だからこの展覧会はちょっと性格を異にするかも。

どっちかってっと「○○主義から○○主義へ」みたいな展覧会に近い。

●ネオ・トロピカリア＠東京都現代美術館
２００８年１０月２２日→２００９年１月１２日

これは変に「ブラジルっぽく」なかった！

しかもファッションとか建築とかいろんなジャンルが範疇なのも良い。

観ている感覚としては面白いものが集まって

たまたまブラジルから来てましたという感じ。

だから素直にトロピカリアってのはどんな概念なんだろうと思い

カタログ買おうとしたら制作が間に合わず販売してませんでした。

がんばれ、学芸員。

●チャローインディア＠森美術館
２００８年１１月２２日→３月１５日

これは上記した通り。

あぁ、ほら、結局落とし所がない…。

あ、でも最近増えてるんですね？この手の展覧会。

今年３本かぁ…

グローバリズムの反動ですかねぇ…。

こういうローカルを見せたがる／見たがるのは…。

なんかもうひとつコンセプトがあれば良いと思うんですよ。

例えば村上がキュレーションした展覧会みたいにさ。

スーパフラット→日本の作家達、的な。

だって、インドの人が集まる必然性がないじゃない。

なんかそこに無理にコンテクスト組まれてもイマイチなぁ。

あ、日本でこんだけ外国の現代美術紹介の展覧会やってるってことはよ？

外国で「日本の現代美術展」とかって、やっぱやってんのかな？

うわー、なんかアニメっぽいマンガっぽい作品で埋め尽くされそう！

痛い！痛すぎる！

は～ぁ……

何なんだこの記事…

本当に落とし所が見えないのでこのくらいでやめておきます。

ただのボヤキです。

「○○の現代美術を紹介する」的な展覧会への疑問。おわり。
（福満しげゆき風）

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿

『
「チャロー！インディア：インド美術の新時代」展』
会場: 森美術館
スケジュール: 2008年11月22日～ 2009年03月15日
12/23（火）、12/30（火）は22:00まで　いずれも入館は閉館時間の30分前まで
住所: 〒106-6150 東京都港区六本木6-10-1 六本木ヒルズ森タワー 53F
電話: 03-5777-8600

「オリジナル」とは何か？：南信長「現代マンガの冒険者たち―大友克洋からオノ・ナツメまで―」

rock_hopper1985 — 2008-12-16T00:00:04+09:00

「現代マンガの冒険者たちー大友克洋からオノ・ナツメまでー」

この本はタイトルの通り、マンガの本。

だからといって、マンガは記号論的にどうだ、ディスクールがどうだ

日本文化としてどうだとか、そんな本じゃない。

マンガを語るためにマンガしか用いない。

マンガ史の教科書だと言えばいいだろうか。

何年、誰々が○○でデヴューを果たす。こういったところで画期的だった。

そしてそれが誰々に影響を与える。こういったところでその影響が見える。

この頃のマンガはの特徴は…

そんな感じ。

筆者はそういったマンガ史的な流れを

第一章　ビジュアルの変革者たち

第二章　「Jコミック」の正体

第三章　＜ギャグ＞に生き＜ギャグ＞に死す！

第四章　＜物語の力＞を信じる者たち

第五章　＜少女＞は成長して＜女＞になる、か

と章立てして語ってくれる。

非常におもしろい。

単純に「え？あの人はあの人のアシスタントなの？通りで！」

というトリビア的な楽しさも満載だし、

また作家の声を聞けるというのも新鮮だった。

読んだ事ある作品でも作家の声や考えに触れる機会はあまりない。

この本では作家のインタヴュー記事などがとても上手に紹介されているので

作品のより深くを覗き込む事ができる。

そして何より自分にとって意義深かったのは

「漫画の歴史」を意識できた事だった。

上記でも少し触れたが

誰が、誰から、どんな影響を受けているのか。

またそれはどういった形で、誰に受け継がれているのか。

これが、非常に、興味深かった。

そしてその中で

「自分の作品をつくる」「オリジナルである」

という事はいったいどういう事なのか。

それらを考える大きなきっかけになった。

中でも彼らふたりに関する記述には非常に！非常に！心を打たれた。

ちょっと紹介。

一つ目はONE PIECEの尾田栄一郎に関しての記述。

筆者は「RAVE」の真島ヒロに大して憤っている。

というのも絵が似てるから。

設定や展開も似てるから。

そして真島自身はパクリを否定しているから。

そんな真島に対し、筆者はこう語る。

「いや、百歩譲って偶然だとしても、それならあえて絵柄を変えてでも差別化しようとするのがモノを創る人間のあるべき態度ではないか。現に『ONE PIECE』の尾田栄一郎は、鳥山明から影響を認めつつも、＜意図的に作った絵柄なんです。自然に出たものじゃなくって、とにかく人の描いてない絵を描こうと思って。例えば小さい目ん玉にするのも結構苦労したんです＞」
（６１pより引用）

鳥山明からの影響を認めつつ…自分だけの絵を確立…。

先代が築いたものから目を反らさない。

自分がその流れに立っている事を意識する。

そして、新しい世界を開く。

もう、こじ開ける。

この様な尾田のスタンスは「ピンポン」や「鉄コン筋クリート」

で有名な松本大洋にも伺える。

本書でボクシングマンガ「ZERO」についての松本の言葉の紹介がされている。

松本は「明日のジョー」も「がんばれ元気」も読んでなかったという。

だが、自分がボクシングマンガを描こうと思ったところで参考のために

アニメのビデオを観たそうだ。

その時の松本の言葉。

「＜そうしたらすごく面白くって、新人の自分とちば（てつや）さんとか梶原（一騎）さんを一緒にするのもどうかと思うんですけれど、もう「やられきっちゃてる」と思ったんですよね。すごいかっこよくって、これは駄目だっていうことになった。「じゃあ、チャンピオンから始めてしまえ」って思って、それで「挫折を知らない強い男にしてしまえ」っていうふうにしたんです＞」
（135pより引用）

ONE PIECEにせよ、ZEROにせよ、

「人がやってない事をやる」という意識から生まれている。

「オリジナル」であるという事は決して

「自分がやりたい事をやる」事じゃあない。

それはむしろ「自分にできることは何か？」

「自分にしかできないことは何か？」を究極的に追求する事なんだ。

彼らの言葉を聞いているとそんな風に思えてくる。

これは一見消極的で創造的ではないと思われるかもしれない。

ある種の隙間産業的な…。

だけど我々は歴史の上に立っている。

これは漫画だけの話じゃない。

今起業するとして、今ある会社と同じもの作ったら生きていけない。

だから誰もやってない事をするか

先代を乗り越えるしかない。

自分にしかないものを確立していく人は

しっかりと歴史を意識している。

先代が何をしてきたか。意識している。

そしてそれを真似する事から始めるんだろうケド

自分の作品をつくる上ではそこを回避する。

あえて回避する。これは尊敬に値するプロ意識。

「僕はやりたい事やってるだけでたまたま近い絵の人がいただけです」

いや、別にいいけどその人はやはり二流と言わざるを得ない。

漫画だろうと美術だろうと音楽がだろうとそこには歴史がある。

自分がそこでものを新しくつくれるというのはその歴史を取り込んでいるから。

例えば手塚治虫がいなければ「当たり前」の漫画表現すらない。

なのに手塚を意識しないのはやはりおかしい。

歴史を無視する人はやはり二流。

その歴史や流れをしっかり組んで

新しいページをつくれる人が、人の心を打つものを作るんだと思う。

「オリジナル」たりえるのだと思う。

だけど、現代でオリジナルであるという事は非常に難しい。

情報はあふれてるし、パクるための技術も身近だったりするし。

何しろ作家が多い。作品が多い。

それにオリジナルである事自体が別に

絶対的な「良い」という評価を持つわけではないかもしれない。

だけど、俺は「オリジナル」である事を賞賛したい。

それは世界を拡げていく試みだ。

歴史を進める試みだ。

その試みをやめちゃだめだ。

オリジナルとコピーの境がわからないこのシュミラークルな時代に。

今まで何があったか知ろう。

今何が起きてるのかを知ろう。

そして自分に何ができるか考えよう。

古い主体論だね。

確固とした自己。

世界に働きかける主体。

だけど、それが幻想だと思いたくない。

だって

「新しいもの」をつくり続ける人がいる。

「観た事ない世界」をつくり続ける人がいる。

だからシステムは揺るぎ続ける。

オリジナル。ビバ。オリジナル。

ボードレアールをブン殴りたい。

＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿
南信長「現代マンガの冒険者たちー大友克洋からオノ・ナツメまでー」
出版社: エヌティティ出版 (2008/5/15)